Pop-CD

Aus der Amazon.de-Redaktion

Das Geheimnis, Tim Burtons Film Sleepy Hollow richtig zu "begreifen", liegt darin, sich bewusst zu machen, dass es sich hier um den Film handelt, den er sein Leben lang schon immer drehen wollte. Nach seinem durchgängig ausdrucksstarken Edward mit den Scherenhänden ist dies gewiss sein persönlichstes Unterfangen. Burtons düsterer Gothic-Stil -- der sich durch all seine Werke zieht -- entspringt einer Kindheit, die er mit den Horrorfilmen von Roger Corman und den Hammer Studios sowie allem, in dem sein Idol Vincent Price mitspielte, vergeudete. Für Sleepy Hollow umgab sich Burton mit seinen üblichen Partnern und Freunden. Die Produktion wurde fast ausschließlich außerhalb Londons gedreht, um ihn mit den wichtigsten Mitgliedern seiner Crew wieder zusammen zu bringen, mit denen er ein Jahrzehnt zuvor schon für Batman gearbeitet hatte -- aber auch, um die Atmosphäre des Hammer-Horrors auf dessen eigenem Territorium einzufangen.

Johnny Depp in seiner Rolle des Constable Ichabod Crane stellt auf herzerwärmende Weise Eigenheiten und Artikulation eines Peter Cushing nach. In einer Prologszene lässt Burton eine von ihm lang gehegte Fantasie darstellen, indem er Johnny Depp Christopher Lee gegenüber auftreten lässt. Unter dem Begriff Fantasie lässt sich auch der gesamte Film einordnen, angefangen bei der mythischen Kamingeschichte über den Ursprung des Hessischen Reiters (ein faszinierender Christopher Walken) bis zu den hellen Farbtupfern, die Cranes Kindheitsträume durchziehen (mit Lisa Marie, Burtons Liebe im richtigen Leben). Diese Momente strahlen buchstäblich in dem peinlich genau geschaffenen Erscheinungsbild des Films, der einem Bleichprozess unterzogen wurde, um ihm eine blasse, fast monochrome Färbung zu geben.

Der krimihafte Plot um Familienabstammung und kleinliche Vergeltung ist natürlich zweitrangig neben dem, was Burton durch Fotografie und Darstellung zu erreichen versucht, zu der noch ausdrucksstarke Gastauftritte von Michael Gambon, Michael Gough, Jeffrey Jones und Iain McDiarmid gehören. Trotz all dieser Feinheiten erweist sich Sleepy Hollow jedoch auch als Burtons bisher bester Actionfilm: Die Fechtszene übertrifft alles aus seinen früheren Werken, während die Flucht mit der Windmühle und die sich anschließende Kutschenverfolgungsjagd -- was Choreografie und Ausführung betrifft -- absolut atemberaubend sind. Sollte während des größten Teils des Films ein Zahnpastalächeln Ihr Gesicht zieren, dann haben Sie ihn "begriffen". Wenn nicht, schauen Sie sich sofort Hammers Dracula an! --Peter Tonks

• Medium: DVD
• Jahr: 1997
• Regie: Robert Duvall
• Laufzeit: ca. 129 Minuten
• Label: ARTHAUS

Produktbeschreibung

• Regie: Stephen T. Kay
• Jahr: 2000
• Medium: DVD
• Laufzeit: ca. 99 Minuten
• Label: Warner Home Entertainment

Produktbeschreibung

Jack Carter (Sylvester Stallone) ist ein unbarmherziger Schuldeneintreiber und Killer, der seine Aufträge skrupellos ausführt. Der plötzliche Tod seines Bruders Richie wirft ihn völlig aus der Bahn. Auf einmal beweist er Familiensinn und stellt sein bisheriges Leben in Frage - ganz zum Erstaunen seiner Schwägerin Gloria (Miranda Richardson) und seiner Nichte Doreen (Rachael Leigh Cook).
Als sich jedoch herausstellt, dass Richies "Unfall" in Wirklichkeit ein Mord war, ist Jack wieder ganz der Alte. Zusammen mit Doreen begibt er sich in die schmutzige Unterwelt von Las Vegas und hat nur noch ein Ziel vor seinen Augen: Rache. Doch als Jack der Wahrheit näher kommt, holen ihn die dunklen Schatten seiner eigenen

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Im Originalfilm aus dem Jahr 1971 spielt Michael Caine unter der Regie von Mike Hodges den Geldeintreiber Jack Carter, der nach dem mysteriösen Tod seines Bruders in seine Heimatstadt zurückkehrt. Der Film hat einen flotten, unbeschwerten Grundton und Michael Caine als Jack Carter ist fantastisch. Man nimmt diesem zutiefst unmoralischen Mann sofort ab, dass er mit jedem Mädchen ins Bett gehen und jeden Kerl foltern würde, um an sein Ziel zu gelangen. Im amerikanischen Remake verkörpert Sylvester Stallone eine abgeschwächte Version des Jack Carter, der zwar brutal vorgeht, am Ende jedoch moralisch verantwortlich handelt.

Das funktioniert nicht annähernd so gut wie im Original. Der gesamte Film scheint um Stallones Image herum gebaut zu sein. Das nimmt dem Film seine Spontanität und wirkt konstruiert. Regisseur Stephen Kays Feuerwerk an visuellen Einfällen ist da auch nicht besonders hilfreich. Er füllt jedes Bild mit dermaßen vielem unnötigem Schnickschnack, dass sich der Eindruck aufdrängt, die Kameraarbeit sei ihm wichtiger als das Drehbuch. Weniger negativ ins Gewicht fällt die Verlagerung der Geschichte von einer kleinen Stadt im Norden Londons nach Seattle. Das liegt vor allen Dingen an der Nebenhandlung, in der es um Internet-Pornografie geht, wofür Seattle wie geschaffen scheint. Auf der anderen Seite erlaubt dies Alan Cummings eine furchtbare Bill-Gates-Persiflage, die eher an einen debilen Teenager erinnert. Andere Darsteller kommen besser weg, speziell Rachel Leigh Cook und Mickey Rourke, während Michael Caines Auftritt lediglich unlautere Vergleiche zum Original heraufbeschwört.

Überhaupt kann man durch den Erwerb dieser beiden Filme mehr über den Zustand Hollywoods zu Beginn des 21.Jahrhunderts lernen, als durch ein Abo einer Filmzeitschrift. --Andy Spletzer

• Medium: DVD
• Jahr: 1992
• Regie: Louis Malle
• Laufzeit: ca. 111 Minuten
• Label: ARTHAUS

Produktbeschreibung

• Regie: Tim Burton
• Medium: DVD
• Laufzeit: ca. 101 Minuten
• Label: Constantin Film
• Bildformat: 1.85:1

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Das Geheimnis, Tim Burtons Film Sleepy Hollow richtig zu "begreifen", liegt darin, sich bewusst zu machen, dass es sich hier um den Film handelt, den er sein Leben lang schon immer drehen wollte. Nach seinem durchgängig ausdrucksstarken Edward mit den Scherenhänden ist dies gewiss sein persönlichstes Unterfangen. Burtons düsterer Gothic-Stil -- der sich durch all seine Werke zieht -- entspringt einer Kindheit, die er mit den Horrorfilmen von Roger Corman und den Hammer Studios sowie allem, in dem sein Idol Vincent Price mitspielte, vergeudete. Für Sleepy Hollow umgab sich Burton mit seinen üblichen Partnern und Freunden. Die Produktion wurde fast ausschließlich außerhalb Londons gedreht, um ihn mit den wichtigsten Mitgliedern seiner Crew wieder zusammen zu bringen, mit denen er ein Jahrzehnt zuvor schon für Batman gearbeitet hatte -- aber auch, um die Atmosphäre des Hammer-Horrors auf dessen eigenem Territorium einzufangen.

Johnny Depp in seiner Rolle des Constable Ichabod Crane stellt auf herzerwärmende Weise Eigenheiten und Artikulation eines Peter Cushing nach. In einer Prologszene lässt Burton eine von ihm lang gehegte Fantasie darstellen, indem er Johnny Depp Christopher Lee gegenüber auftreten lässt. Unter dem Begriff Fantasie lässt sich auch der gesamte Film einordnen, angefangen bei der mythischen Kamingeschichte über den Ursprung des Hessischen Reiters (ein faszinierender Christopher Walken) bis zu den hellen Farbtupfern, die Cranes Kindheitsträume durchziehen (mit Lisa Marie, Burtons Liebe im richtigen Leben). Diese Momente strahlen buchstäblich in dem peinlich genau geschaffenen Erscheinungsbild des Films, der einem Bleichprozess unterzogen wurde, um ihm eine blasse, fast monochrome Färbung zu geben.

Der krimihafte Plot um Familienabstammung und kleinliche Vergeltung ist natürlich zweitrangig neben dem, was Burton durch Fotografie und Darstellung zu erreichen versucht, zu der noch ausdrucksstarke Gastauftritte von Michael Gambon, Michael Gough, Jeffrey Jones und Iain McDiarmid gehören. Trotz all dieser Feinheiten erweist sich Sleepy Hollow jedoch auch als Burtons bisher bester Actionfilm: Die Fechtszene übertrifft alles aus seinen früheren Werken, während die Flucht mit der Windmühle und die sich anschließende Kutschenverfolgungsjagd -- was Choreografie und Ausführung betrifft -- absolut atemberaubend sind. Sollte während des größten Teils des Films ein Zahnpastalächeln Ihr Gesicht zieren, dann haben Sie ihn "begriffen". Wenn nicht, schauen Sie sich sofort Hammers Dracula an! --Peter Tonks

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Das Geheimnis, Tim Burtons Film Sleepy Hollow richtig zu "begreifen", liegt darin, sich bewusst zu machen, dass es sich hier um den Film handelt, den er sein Leben lang schon immer drehen wollte. Nach seinem durchgängig ausdrucksstarken Edward mit den Scherenhänden ist dies gewiss sein persönlichstes Unterfangen. Burtons düsterer Gothic-Stil -- der sich durch all seine Werke zieht -- entspringt einer Kindheit, die er mit den Horrorfilmen von Roger Corman und den Hammer Studios sowie allem, in dem sein Idol Vincent Price mitspielte, vergeudete. Für Sleepy Hollow umgab sich Burton mit seinen üblichen Partnern und Freunden. Die Produktion wurde fast ausschließlich außerhalb Londons gedreht, um ihn mit den wichtigsten Mitgliedern seiner Crew wieder zusammen zu bringen, mit denen er ein Jahrzehnt zuvor schon für Batman gearbeitet hatte -- aber auch, um die Atmosphäre des Hammer-Horrors auf dessen eigenem Territorium einzufangen.

Johnny Depp in seiner Rolle des Constable Ichabod Crane stellt auf herzerwärmende Weise Eigenheiten und Artikulation eines Peter Cushing nach. In einer Prologszene lässt Burton eine von ihm lang gehegte Fantasie darstellen, indem er Johnny Depp Christopher Lee gegenüber auftreten lässt. Unter dem Begriff Fantasie lässt sich auch der gesamte Film einordnen, angefangen bei der mythischen Kamingeschichte über den Ursprung des Hessischen Reiters (ein faszinierender Christopher Walken) bis zu den hellen Farbtupfern, die Cranes Kindheitsträume durchziehen (mit Lisa Marie, Burtons Liebe im richtigen Leben). Diese Momente strahlen buchstäblich in dem peinlich genau geschaffenen Erscheinungsbild des Films, der einem Bleichprozess unterzogen wurde, um ihm eine blasse, fast monochrome Färbung zu geben.

Der krimihafte Plot um Familienabstammung und kleinliche Vergeltung ist natürlich zweitrangig neben dem, was Burton durch Fotografie und Darstellung zu erreichen versucht, zu der noch ausdrucksstarke Gastauftritte von Michael Gambon, Michael Gough, Jeffrey Jones und Iain McDiarmid gehören. Trotz all dieser Feinheiten erweist sich Sleepy Hollow jedoch auch als Burtons bisher bester Actionfilm: Die Fechtszene übertrifft alles aus seinen früheren Werken, während die Flucht mit der Windmühle und die sich anschließende Kutschenverfolgungsjagd -- was Choreografie und Ausführung betrifft -- absolut atemberaubend sind. Sollte während des größten Teils des Films ein Zahnpastalächeln Ihr Gesicht zieren, dann haben Sie ihn "begriffen". Wenn nicht, schauen Sie sich sofort Hammers Dracula an! --Peter Tonks

• FSK 6

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Was für ein Typ war dieser Zauberer Merlin eigentlich? Er lebt eine verdammt lange Zeit, erzieht einen Jungen dazu König zu werden, unterstützt ein utopisches Reich mit seiner Magie und seiner Weisheit und dann sieht er zu, wie all das unter so banalen Kräften wie Rache und Verrat zusammenbricht. Diese vierstündige Miniserie erzählt die Geschichte von Camelot und König Arthur aus der Perspektive des magischen Mannes, der viel opfert, um Sterbliche zu einem besseren Schicksal zu führen.

Sam Neill spielt Merlin als einen zugänglichen und leidenschaftlichen Mann aus Fleisch und Blut, machtlos, den Zauber eines Rivalen (Rutger Hauer) rückgängig zu machen, der praktisch Merlins größe Liebe Nimue (Isabella Rosselini) gefangen hält, aber begabt genug, dem Verrat von Morgan Le Fey (Helena Bonham Carter) und der bösen Königin Mab (Miranda Richardson) zu begegnen. Die Schlachtsequenzen und die Spezialeffekte sind beeindruckend und neu, und es macht großen Spaß, Charakterdarsteller wie Richardson, Carter, Neill etc. in einem Fantasyfilm zu sehen, an dem die ganze Familie Spaß haben wird. (Ein bis zur Unkenntlichkeit geschminkter Martin Short sollte auf jeden Fall für seine wunderbare und zum größten Teil dramatische Darstellung von Mabs Helfer Frik erwähnt werden.) Unter der Regie von Steve Barron (Die Legende von Pinocchio) ist Merlin eine gut gelungene Neuverfilmung einer geliebten Legende geworden. --Tom Keogh

• FSK 16

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The Crying Game vermittelt eine seltene und wertvolle Erfahrung. Der Film stellt ein nicht einzuordnendes Original dar, das einen mit seinem frischen Stil, seinem Humor und seiner Ehrlichkeit zugleich überrascht, fasziniert, verwirrt und erfreut. Er beginnt als psychologischer Thriller, als der IRA-Fußsoldat Fergus (der unvergleichliche Stephen Rea) einen britischen Soldaten (Forest Whitaker) entführt und auf die entscheidende Nachricht wartet, ob er sein Opfer exekutieren oder freilassen soll. Im Verlauf der Nacht beginnt sich ein Band zwischen den Männern zu knüpfen. Später ändert sich die Stimmung des Films und er wandelt sich in eine Art romantische Komödie, als sich Fergus unerwarteterweise mit Dil (Jaye Davidson), der Freundin des Soldaten, einlässt und mehr über sich und die menschliche Natur im Allgemeinen herausfindet, als er jemals zu träumen gewagt hatte.

So wie Spielbergs E.T. - Der Außerirdische sollte The Crying Game der "kleine, persönliche Film" von Regisseur Neil Jordan werden, der Film, den er einfach machen musste, auch wenn ihm kein Studio dafür Geld geben würde, weil die Story so ungewöhnlich war. Doch stattdessen wurde aus ihm ein überraschender Publikumserfolg, teilweise dank der schlauen und provokativen Werbekampagne von Miramax, die die Gerüchteküche hinter dem großen Geheimnis in dem Film ausnutzte. Die Darsteller (darunter Miranda Richardson als eine der IRA-Mitstreiter von Fergus) erscheinen ziemlich mysteriös, Regie und Buch sind sehr kraftvoll und gewagt -- man versucht immer die Beweggründe und Empfindungen der Charaktere zu ergründen, selbst wenn sich jene über ihre Motive und Gefühle im Klaren sind. The Crying Game ist ein weiser, intelligenter und wundervoller Film. Regisseur Neil Jordan schuf auch solche Filme wie Mona Lisa, Interview mit einem Vampir, Michael Collins und Butcher Boy - Der Schlächterbursche. --Jim Emerson

• FSK 12

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Das Reich der Sonne, ein zutiefst unterschätzer Film über die Abenteuer des jungen Jim in den Wirren des Zusammenbruchs Chinas während des Zweiten Weltkriegs, wird allgemein als Steven Spielbergs "am wenigsten erfolgreicher" Film abgetan. Stellen Sie sich vor, Sie hätten alles gehabt und es dann an einem einzigen Nachmittag verloren -- und das im Alter von nur zwölf Jahren. Die Verwandlung Christian Bales in der Rolle des Jim von einem verwöhnten Kind der herrschenden Klasse Großbritanniens zu einem gefangenen, verzweifelten, geradezu verwilderten Jungen ist schon beeindruckend. Nicht weniger beeindruckend sind die außergewöhnlichen Bilder, die Kameraarbeit sowie die Musik, die diese Darstellung eines anderen, weniger bekannten Opfers des Krieges von Autor J.G. Ballard und Drehbuchautor Tom Stoppard unterstreichen.

In einer Zeit, in der die Konkurrenz komische Filme über Heranwachsende drehte, stach Das Reich der Sonne als Monumentalfilm in klassischer David-Lean-Manier hervor -- trotz Verwechslungen mit oder vermeintlicher Konkurrenz zum gleichermaßen hervorragenden Film Der letzte Kaiser. Zudem ist er ein Tribut an die menschliche Seele. Und trotz des enttäuschenden Misserfolgs an den Kinokassen, half Das Reich der Sonne, Spielberg als mehr als nur einen kommerziellen Regisseur zu etablieren sowie den Maßstab für spätere Erfolge wie Schindlers Liste und Der Soldat James Ryan zu setzen. --N.F. Mendoza

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Das Reich der Sonne, ein zutiefst unterschätzer Film über die Abenteuer des jungen Jim in den Wirren des Zusammenbruchs Chinas während des Zweiten Weltkriegs, wird allgemein als Steven Spielbergs "am wenigsten erfolgreicher" Film abgetan. Stellen Sie sich vor, Sie hätten alles gehabt und es dann an einem einzigen Nachmittag verloren -- und das im Alter von nur zwölf Jahren. Die Verwandlung Christian Bales in der Rolle des Jim von einem verwöhnten Kind der herrschenden Klasse Großbritanniens zu einem gefangenen, verzweifelten, geradezu verwilderten Jungen ist schon beeindruckend. Nicht weniger beeindruckend sind die außergewöhnlichen Bilder, die Kameraarbeit sowie die Musik, die diese Darstellung eines anderen, weniger bekannten Opfers des Krieges von Autor J.G. Ballard und Drehbuchautor Tom Stoppard unterstreichen.

In einer Zeit, in der die Konkurrenz komische Filme über Heranwachsende drehte, stach Das Reich der Sonne als Monumentalfilm in klassischer David-Lean-Manier hervor -- trotz Verwechslungen mit oder vermeintlicher Konkurrenz zum gleichermaßen hervorragenden Film Der letzte Kaiser. Zudem ist er ein Tribut an die menschliche Seele. Und trotz des enttäuschenden Misserfolgs an den Kinokassen, half Das Reich der Sonne, Spielberg als mehr als nur einen kommerziellen Regisseur zu etablieren sowie den Maßstab für spätere Erfolge wie Schindlers Liste und Der Soldat James Ryan zu setzen. --N.F. Mendoza