Pop-CD

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Dead Can Dance? Tote können tanzen? Klingt ja düster. Ist es auch. Aber noch viel schöner. Überwältigend. Nicht von dieser Welt. Fans von Brendan Perry und Lisa Gerrard sind um Superlativen nicht verlegen und man kann sagen: meist zu Recht. Wake belegt das nachdrücklich mit 26 Tracks aus 15 Jahren, vom semi-legandären "Frontier"-Demo, durch das 4AD-Labelchef Ivo Watts-Russell 1983 auf das Duo aufmerksam wurde, bis zur letzten Aufnahme des Duos, "The Lotus Eaters" (1998).

Genre-, Zeit- und kulturelle Grenzen schien es für die beiden Iren niemals zu geben. 1980 begannen sie, mit Cello, Blechbläsern, Elektronik und Hackbrett, früher Renaissance, Barock und gregorianischen Einflüssen zu hantieren, während der Punk im kommerziellen Zenit stand. Gesanglich sind beide eine Klasse für sich. Während Perry seine Prägnanz und Ausdrucksstärke in für nordwesteuropäische Ohren vergleichsweise üblichen Skalen und Frequenzen entwickelte, ließ sich Lisa Gerrard sich stilistisch wie geografisch kaum festlegen. Wer Ridley Scotts Hollywood-Blockbuster Gladiator gesehen hat, hat ihren eindrucksvollen, mitunter erschütternd schönen Gesang bereits wahrgenommen, wie sie Wörter eher als Transportmittel für vokale Klangfarben zu benutzen scheint als anders herum.

Das merkwürdige Rezept ging besser auf als ein gelungener Hefeteig, und schon ihr zweites Album Spleen And Ideal geriet zum Meisterwerk, zum Paradoxon eines vom gehobenen bürgerlichen Feuilleton vereinnahmten modernen Klassikers, der aber hauptsächlich von Pop-Hörern gekauft und geliebt wurde (was, nebenbei, einen Umstand darstellt, der dem 4AD-Label durchaus häufiger geschah). Für Dead Can Dance nur ein Schritt vor den nächsten, den das merkwürdige Pärchen mit neuer Klassik, spritueller Chormusik aus Osteuropa und dem Mittleren Osten, afrikanischer, asiatischer und lateinamerikanischer Rhythmik in Berührung brachte -- Kreuz- und Querverweise extra!

Dead Can Dance mögen den Tod im Bandamen tragen, ein Totentanz ist ihre Musik nicht. Im Gegenteil: Sie feiert das Leben. --Rolf Jäger

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Frage: Worin besteht der größte Unterschied zwischen einem aggressionsgeladenen Studioalbum und einem aggressionsgeladenen Livealbum? Antwort: in der Intensität. Live: And All That Could Have Been, das auf der US-Tour 2000 Fragility 2.0 aufgenommen wurde, bietet dieses typische Merkmal im Überfluss.

Es ist hierbei eine große Hilfe, dass Trent Reznor eine Band hat und nicht nur eine Batterie von Keyboards. Dies hilft ihm auf dem Weg durch diese 16 Tracks, wenn er wutschnaubend sein musikalisches Gift verspritzt, das aber überraschend angenehm zu hören ist und das einen Star aus ihm machte. Diese live spielenden Musiker verschaffen ihm den Freiraum, mit entsprechendem Tempo zu spielen, bei "Closer" ein wenig mehr Gas zu geben und der langsamen Version von "The Frail" ein stärkeres atmosphärisches Gewicht zu verleihen. Die Band bedient sich mit Begeisterung des älteren Materials; Reznor klingt total außer sich, wenn er "Head Like A Hole" so vorführt, wie er es 1989 bereits tat. Die CD wird mit "Hurt" beendet, was einem vielleicht ein wenig seltsam vorkommen mag, aber irgendwie wirkt es nach all dem, was man vorher durchlebt hat, wie die Auflösung einer tragischen Handlung.

Eine CD kann zwar nur einen Teil von NINs auf der Bühne entfesselter Energie wiedergeben, aber ihr erstes Livealbum ist eine intensive, manchmal sogar überwältigende Aufnahme und ein weiterer Beitrag zu NINs ständiger Popularität und Bedeutung. --Genevieve Williams

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Trent Reznor macht mal wieder, was er will. Mit einer großen Plattenfirma hat der amerikanische Großmeister des Industrial-Rock gebrochen, um sich als nun als Indie alle musikalischen Freiheiten zu gewähren. Und diese schöpft der Mastermind der Nine Inch Nails auf Ghosts I-IV bis zur Neige aus, allerdings nicht in der Form, wie man es von ihm gewohnt. Anstatt wütendem Gesang gibt es Instrumentalmusik, die krachenden Rhythmen wurden an die Leine genommen und den Gitarren Jaulverbot aufgelegt. Weitgehend jedenfalls, denn Ghosts I-IV ist nach Reznors ein Soundtrack zu Tagträumen. Der Mann muss ein merkwürdiges Gemüt haben, denn neben vielen sehr anmutigen Ambient-Stücken, Pianoklängen a la Erik Satie Elektronika, Tribal-Beats und auch Dub kriecht durch immer eine alptraumhafte Düsternis durch die Stücke, die keine Songs sind. Reznor fertigte die 36 stimmungsvollen Tracks über einen längeren Zeitraum wie Skizzen an, die nicht ausformuliert und in eine stringente Reihe wurden und damit geisterhaft bleiben. --Sven Niechziol

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Standing On A Beach, der erste Singles-Sampler von Britanniens Lieblingen The Cure, war das I-Tüpfelchen einer erstaunlichen und fortschreitenden Entwicklung bei Robert Smith und Co. Dieses eher weniger interessante Album mit seinen 18 Songs dokumentiert einen kommerziellen Höhenflug, der im letzten Jahr mit Wild Mood Swings abrupt beendet wurde. Der einzige neue Studiotrack hier, "Wrong Number", ist ein flirrendes, von Synthies durchzogenes Stück, das sich spätestens nach drei Umdrehungen im Gehörgang festsetzt. Es ist das Sahnehäubchen auf einem Kuchen, der sich aus späten Perlen wie "Lovesong", "Just Like Heaven" und "Friday I´m In Love" zusammensetzt. --Jeff Bateman

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Joachim Witt hat schon immer polarisiert. Wieso, kann man auf dem Album Auf Ewig - Meisterwerke hören, einer Art Compilation, obwohl alle alten Stücke neu eingespielt, abgemischt und umarrangiert sind. Mit den beiden neuen Titeln ?Weh Oh Weh? und ?Unsere Welt? gibt das Album mit 16 Songs einen Gesamtüberblick über das Werk von Joachim Witt und liefert eine Innenschau seines eigenwilligen Kosmos.

Angefangen von seinem Neue-Deutsche-Welle-Hits ?Goldener Reiter?, hier in einer flotten Disco-Version bis hin zu seiner Bayreuth -Trilogie, kontrastiert Witt immer wieder martialische Rhythmen und markigen Stechschrittgesang mit hymnischen Bombast und grüblerischer, deutscher Schwermut. Seine Stimme wechselt entsprechend von der sanften, sonoren auf ?Jetzt und Ehedem?, zur markigen beim gruftigen Grabeslied ?Hundert Leiber? bis hin zum romantischen Träumer auf ?Wem gehört das Sternenlicht?? oder ?dem Hit ?Bataillon D?Amour?. Den ?Herbergsvater? knallt er uns als Dance-Track um die Ohren, ?Supergestört und superversaut? in einem Mix mit Oomph ist wüster Heavy Metal-Techno.

Und die beiden neuen? ?Unsere Welt? ist ein seltsamer Abzählreim, melodisch, aber böse von hinten, während ?Weh-Oh-Weh? Weltschmerz und Wehmut pathetisch vereint. Witt ist nach wie vor provokant und irrtierend und bisweilen verschroben altmodisch in der Wortwahl. -- Ingeborg Schober

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