Pop-CD

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Mathangi "Maya" Arulpragasam alias M.I.A. lieferte mit ihrem Debütalbum Arular vor zwei Jahren ein bis heutige gültiges Meisterwerk der musikalisch längst vollständig globalisierten Welt ab. Wer nun dachte, ihr würden sowieso recht schnell die Ideen ausgehen und sie wäre sowieso nur einer dieser üblichen Hypes im Musikbusiness, die Heute in den Himmel gelobt werden und Morgen schon wieder komplett in Vergessenheit geraten sind, der wird sich wundern, wie elegant sie sich auf Kala aus der Affäre zieht. Allein der Rückgriff auf Produzenten wie Switch und Diplo garantiert, dass hier keine alten Ideen aufgewärmt werden. Musikalisch präsentiert sich M.I.A. auf ihrem zweiten Album noch einmal deutlich vielseitiger als auf Vorgänger. Vor allem Bollywood-Disco-Hymnen wie "Jimmy" oder das gemeinsam mit Nigerianischen Rapper Afrikan Boy eingespielte, von vielschichtigen Perkussion-Sounds geprägte "Hussel" zeigen, wie hier alles möglich ist. An wirklichen Überraschungen herrscht auf diesem Album kein Mangel. Eine der ungewöhnlichsten Nummern ist M.I.A., zusammen mit dem Wilcannia Mob, mit "Mango Pickle Down River" gelungen. Die Basistracks entstanden in Australien bei einem Theaterprojekt für Jugendliche. Was M.I.A. daraus aber dann mit Hilfe ihrer Produzenten macht, darf man schon als kleine Sensation bezeichnen, auch wenn es sich kaum vernünftig in Worte fassen lässt. Nicht weniger aufregend klingt auch das mit einem schleppenden Elektro-Groove unterlegte "20 Dollar", der die perfekte Unterlage für ihre stets pointierten Reime liefert. Und in dieser Gewichtsklasse geht es bis zum Ende des Albums weiter, an dem sich mit dem Titel "Come Around" ihre bereits im Vorfeld vieldiskutierte Zusammenarbeit mit Erfolgsproduzent Timbaland findet.. M.I.A. hat es sich mit ihrem zweiten Album wirklich nicht leicht gemacht. Ihr künstlerischer Triumph ist deshalb umso größer einzuschätzen. --Norbert Schiegl

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In England befindet sich Presse bereits seit Monaten in heller Aufregung, wenn die Sprache auf M.I.A. kommt. Kein Wunder, denn die Sängerin, geboren In London, teilweise aufgewachsen in Sri Lanka und Indien, präsentiert auf ihrem Debütalbum eine bisher so noch nie gehörte Melange aus Dub-, Grime-, HipHop- und Elektronik-Elementen. Vermischt mir ihrem einzigartigen Rap- bzw. Gesangsstil, vorgetragen in diversen Slangfraben (Tamilisch, Cockney, Amerikansich), ergibt das eine hochexplosive Mischung. Nicht zuletzt auch wegen ihrer Texte, in der die Tochter eines tamilischen Freiheitskämpfers, offen ausspricht, was ihr an dieser Welt missfällt.

Bereits mit ihren ersten beiden Singles, Galang und Sunshower sorgte M.I.A. für so viel Wirbel, das die Plattenfirmen Schlange standen, um sie unter Vertrag zu nehmen. Dass Arular nun bei XL Recordings, dem Label, auf dem auch The Prodigy seit Anfang der neunziger Jahre ihre Platten veröffentlichen, hat einen guten Grund. M.I.A. legt großen Wert darauf, selbst zu bestimmen, wohin ihre Reise geht. Vom Artwork über die Musik bis hin zu den kompromisslosen Texten. Unterstützt wird die frühere Studentin der London Central Saint Martins Art School, die von Electro-Clash-Königin Peaches über die Geheimnisse des Musikbusiness aufgeklärt wurde, auf dem Album von den beiden Produzenten Steve Mackey und Russ Orton, die ja bereits für Galang verantwortlich zeichneten, sowie von Richard X und Steve Mackey (Ex-Pulp). Dank ihrem unkonventionellen Stilmix klingt kein Song wie der andere. Zudem wird das dichte Gefüge aus vibrierenden Elektronik-Sounds, peitschenden Beats und mächtigen Bass-Grooves noch mit ein paar kurzweiligen Skits aufgelockert. --Norbert Schiegl

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Das ist ein gewaltiges wie gewagtes Projekt, das Regisseur Todd Haynes mit seinem Film wie dem dazugehörigen Soundtrack I?m Not There gestemmt hat. Wie er schon in seinem Streifen Velvet Goldmine gar nicht erst riskiert, das Leben von David Bowie minutiös nach zu zeichnen, so wenig begibt er sich auf eine zum Scheitern verurteilte Mission, die nicht minder wendungsreiche Biographie von Bob Dylan zu verfilmen. I?m Not There ist kein Biopic wie Streifen über Johnny Cash oder Ray Charles, nicht mal klassisches Erzählkino, denn Haynes verteilt die Persönlichkeit Dylan auf sechs Schauspieler, die zeitliche Abschnitte repräsentieren. Da ist die Musik schon konkreter und doch weit entfernt von einem normalen Soundtrack, Tribute-Album oder einer Ansammlung von Coverversionen. Nur der Titelsong stammt von Dylan selber und war nur auf Bootlegs der Reihe Basement Tapes zu finden. Die restlichen 33 auf zwei CDs verteilten Lieder, von denen nicht alle im Film zu hören sind, wurden von einer exquisiten Künstlerschar neu interpretiert. Ein interessantes wie gelungenes Experiment ist die Installation von zwei Hausbands, die sich an einem Großteil der Songs beteiligen: die Wüstenrocker Calexico und The Millionen Dollar Bashers, die unter anderem aus den beiden Sonic-Youth-Mitgliedern Lee Ranaldo und Steve Shelley, Tom Verlaine (Television), Dylans langjährigem Bassisten Tony Garnier und Nels Cline von Wilco bestehen. Sie begleiten eine Vielzahl ausgezeichneter Sänger wie Eddie Edder, Stephen Malkmus (ex-Pavement), Willie Nelson oder Charlotte Gainsbourg. Kein einziger Song, nicht einmal Antony & The Johnsons Sternstunde ?Knockin? On Heaven?s Door? oder das packende ?Dark Eyes? der Co-Op Iron & Wine mit Calexico entfernt sich außer Sicht- bzw. Hörweite vom Original, und doch herrscht ein stilistisch große Eigenwilligkeit und Abwechslung zwischen Alternative, Country, Rock und Folk. Diskussionsstoff bietet auch die Auswahl, die sich weder auf die großen Hits reduziert noch in Sektierertum verfällt. Auch wenn Yo La Tengo, Mark Lanegan, Cat Power, Roger McGuinn (Byrds), Sufjan Stevens, Jeff Tweedy oder Woodstock-Veteran Richie Havens auf schon ein wenig vermisste Evergreens wie ?I Want You? oder ?Hurricane? verzichten, so steckt I?m Not There voll mit wesentlich mehr guten als respektablen Songs. --Sven Niechziol

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Am 20. Juni 2006 verstarb im Alter von nur 39 Jahren der Brian Glancy. Zur Beerdigung des gerade in Manchester sehr beliebten Songwriters kamen Badly Drawn Boy, David Gray oder Elbow, die sich auf ihrem Album The Seldom Seen Kid vor dem Freund verneigen. Auch I Am Kloot waren da, denn deren Sänger John Bramwell stand Glancy sehr nahe. So bilden die viele Gesprächen zwischen den beiden die Basis für die Songs von Play Moolah Rouge, dem vierten Album der Briten. Es geht um Dämonen, die einen gerade in der Nacht nicht loslassen, um Vergänglichkeit, Selbstzweifel und einen umgebende Ödnis, dass man die Wände hoch laufen möchte. Transportiert werden diese Texte mit dem vielen Freiraum für eigene Fantasien von verschleppten, melancholischen Dramen, von allerfeinstem Gitarren-Pop, durch den ein kräftiger Hauch Country weht. Mit Play Moolah Rouge gelingt I Am Kloot erneut ein sehr schönes Album, das zwischen Rockern und Balladen treibt, zwischen Hoffnungen und Desillusionen driftet. Wenn es Anlass zur Kritik gibt, dann, dass die Nordengländer ihr zur Verfügung stehendes Potential nicht vollständig abrufen, einen Single-Hit für den Mainstream schreiben und so vorläufig Prediger in der zum Glück nicht ganz einsamen Wüste bleiben. Eines nämlich haben I Am Kloot den ungleich erfolgreicheren Coldplay nämlich voraus: Gefühle klingen ohne Pathos aufrichtiger. --Sven Niechziol

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Der Sänger Michael Stipe gesteht letztlich ein, dass er nicht weiß, was er sagen will -- zwischen den Zeilen, die da so an einem vorbei fliegen, hört man "tryin' to tell you something we don't know" ("versuchen etwas zu erzählen, was wir nicht wissen") und "there's something going on that's not quite right" ("da spielt sich etwas ab, das nicht ganz richtig ist"). Aber der volle Sound von R.E.M. erreicht seinen Höhepunkt, wenn Peter Bucks Gitarre Surf-Riffs liefert, und die Bill-Berry-Mike-Mills-Rhythmusgruppe die ganze Power der Vorgänger Big Star und The Byrds einfängt.

Nach einem halben Jahrzehnt als erfolgreiche College-Rock Band, erzielte R.E.M. den ersten Hit-Erfolg mit diesem Album, mit dem weit ausschweifenden Song "It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)" und dem sanften (aber unterschwellig kritischen) "The One I Love". --Steve Knopper