Pop-CD

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Keith Jarrett ist ein wahrer musikalischer Verwandlungskünstler, aber die ausgehaltenen Soloimprovisationen, die er 1975 in einer deutschen Konzerthalle aufnahm -- die erste 26-, die zweite 40 Minuten lang -- gehören zum Besten, was es von ihm zu hören gibt. Die Melodien und rhythmischen Figuren entspringen mit ungeheurer Leichtigkeit unter seinen Fingern, während er von einem Abschnitt zum nächsten übergeht. Seine starke linke Hand nutzt er für wiederkehrende Motive, die eine wellenartige hypnotische Macht ausüben. In Verbindung mit stark konsonanten Melodien erinnert dies zeitweilig an Gospel, dann wieder an Tanzmusiken und Debussy und andere Komponisten. Es ist vor allem Jarretts Fähigkeit, all diese Stimmungen und Richtungen in einem fein gesponnenen Gewebe aus warmen und wohlklingenden Eindrücken zu vereinen, die seiner Musik diesen anhaltenden Reiz verleiht. --Stuart Broomer

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Über den Künstler

Meilenweit entfernt vom Durchschnitt
Über den legendäre Jazz-Trompeter Miles Davis (1926 - 1991) erzählt man sich die Geschichte, wie er bei einem Empfang im Weißen Haus mit einer der anwesenden Damen ins Gespräch kam und dabei fast beiläufig sagte: "Ich habe den Jazz drei oder viermal neu erfunden. Und weshalb sind Sie eingeladen worden?" Dieses enorme Selbstbewußtsein spiegelt sich in allen seinen Aufnahmen wider, von denen sein 1959 entstandenes Werk "Kind Of Blue" das wohl berühmteste ist. Aufgenommen wurde dieses definitive Jazz-Album zusammen mit Cannonball Adderley, Paul Chambers, Bill Evans, Jimmy Cobb und John Coltrane während zwei Sessions am 2. März und 22. April 1959. Getreu seinem Motto "Spiele nicht, was da ist - spiele, was nicht da ist" veredelte er exzellente Stücke wie So What, Flamenco Sketches und Blue In Green zu Jazz-Juwelen, die die Menschen auch noch fast 50 Jahre nach ihrer Entstehung tief berühren - dort wo in jedem Menschen die Seele des Jazz sitzt. Oder wie der Autor Stephen Thomas Erlewine feststellte: "Wenn du Kind Of Blue nicht liebst, dann magst du den Jazz nicht".

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Das ist wahrlich einer der großen Klassiker des Hardbop: Art Blakey führt seine wohl beste Jazz-Messengers-Besetzung durch ein treibendes Programm, das keinen Moment nachlässt. Tenorsaxophonist Benny Golson (dessen in der Folge zum Jazzklassiker gewordenes "Along Came Betty" hier zum ersten Mal zu hören ist), der brillante Trompeter Lee Morgan und der funky Pianist Bobby Timmons, der den Titelhit schrieb, spielen einige der besten Solos ihrer großen Karrieren, und Blakey selbst war niemals besser. Diese CD sollte in keiner Jazzsammlung fehlen. Sie bleibt einer der führenden Posten im Blue Note-Katalog und das mit Recht. Im Rahmen der 60-Jahr-Feier des Blue-Note-Labels 1999 hat Rudy Van Gelder, der Produzent der Originalaufnahme, einen Bombenjob mit dem Remix von "Moanin'" abgeliefert: Die Bässe sind wärmer geworden, das Gesamtspektrum farbiger. Das Booklet mit den alten Schwarzweiss-Fotos der Session ist wie ein LP-Klappcover zu öffnen. --Skip Heller

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Es ist schwer, ein Genie zu sein. Seit Jahren bemüht sich Keith Jarrett darum, die immensen Erwartungen, die seine Fans seit The Köln Concert an ihn stellen, sowohl zu erfüllen, als auch zu konterkarieren. Als Meister der Geläufigkeit und Pionier neoromantischer Innerlichkeit hat er den Kammerjazz der Siebziger und die neue Lust an der alten Melodie in den Achtzigern initiiert, um schließlich mit "La Scala" mal das Idiom der Versenkung oder mit "Tokyo '96" mal die Kunst der anspruchsvollen Gefälligkeit zu pflegen. Das Ganze garniert er mit ein wenig Bach und etwas Mozart, so daß man Jarrett nach drei Dekaden des Erfolges bedenkenlos als einen der letzten großen Ästheten feiern kann.

Insofern ist The Melody At Night, With You ebenso konsequent wie ungewöhnlich. Einerseits widmet sich der inzwischen 54jährige Pianist und Komponist aus Allentown, Pennsylvania, auf seinem Solo-Album bekannten Melodien des Great American Songbook, die er im vergangenen Winter mit kammermusikalischer Intimität in seinem Studio in New Jersey archiviert hat. Auf der anderen Seite aber verzichtet er auf die früheren Demonstrationen pianistischer Artistik. Seine Gershwin- oder Jerome Kern-Impressionen sind verhaltene Meditationen, die mit quasi-klassischer Transparenz und pointierter Detailfreude die wirkungsvolle Reduktion der musikalischen Vorlagen ausloten. So entsteht eine Sammlung zehn feinsinniger Albumblätter, die Jarrett als geläuterten Modernisten präsentiert. Denn die frühere Redundanz der Töne verwandelt sich in eine komprimierte Klangaussage und der Heißsporn der Improvisation wird zum Verehrer der Klarheit. Das beste Jarrett-Album seit langem. --Ralf Dombrowski

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Ein ganz introvertiertes Werk - Land Of The Sun ist die zweite Co-Produktion von Charlie Haden und Gonzalo Rubalcaba, und ähnlich wie beim Vorgänger Nocturne geht es um Intimität, um eine Ästhetik die sich aus feinsinniger Begleitung und liedhafter Melodik nährt. Die Vorlagen stammen überwiegend von José Sabre Marroquins, einem mexikanischen Komponisten, der sowohl Popular- als auch klassische Musik schrieb; bereits auf Nocturne stellte Haden eines seiner Stücke vor. Der Bassist möchte die sanfte, balladeske Seite lateinamerikanischer Musik zum Vorschein bringen, die, wie er sagt, kaum einer kennt. Wer könnte das eleganter umsetzen als Pianissimo-Experte Gonzalo Rubalcaba: die Arrangements des kubanischen Ausnahmepianisten sind sensibel und romantisch, tragen dabei allesamt Rubalcabas unverkennbare Handschrift. Als Gastmusiker wurden unter anderem Oriente López (Flöte) und Michael Rodríguez (Trompete) engagiert. Ihre Instrumente unterstreichen die mexikanische Herkunft der Songs, dezent und luftig, wie überhaupt alles auf Land Of The Sun: das liebevoll verhaltene Spiel aller Beteiligten macht neben den Arrangements den ganzen Charme dieser Aufnahme aus - manche Phrasen artikulieren sie so hauchwarm und zart, beinahe als wären sie gar nicht da. Melodie und Improvisation gehen meistens lautlos ineinander über, bilden schlichte Traumsequenzen an der Grenze zwischen Jazz, Folklore und Klassik. Manchmal denkt man, ob dieser oder jener Song nicht doch im Orchester besser wirken könnte? Aber Haden belässt es bei Kammermusik, lässt die Herzen der Musiker sich verströmen und macht dieses Album zu einem sehr persönlichen Charakterstück. --Katharina Lohmann