Pop-CD

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Sinead O'Connor wurde im konservativen Amerika zur meistgeschmähten Künstlerin, als sie im Fernsehen ein Bild des Papstes zerriß und sich bei einem Konzert in New Jersey weigerte aufzutreten, da gerade die amerikanische Nationalhymne "The Star Spangled Banner" gespielt worden war. Davor unterstützte sie mit ihrem Gesang die IRA in ihrer Heimat Irland und war eigentlich immer sehr aufwieglerisch. Sie ist ohne Zweifel einer der weiblichen Popstars, die sich ihre Springerstiefel verdient haben. Obwohl ihre einst kometenhafte Karriere unter ihrer Offenheit gelitten hat, ist die Kraft und Präsenz ihrer Stimme auf ihrem zweiten Album über jeden Zweifel erhaben. Die Coverversion des Prince-Stückes "Nothing Compares 2 U", die Sinead O'Connors Durchbruch markiert, hat dieses bewegende, sehr leidenschaftliche Album voll dunkler Schönheit und Verlangen berühmt gemacht. Das Album, das trotz seiner Modern-Rock- und Folk-Elemente zweifellos ein Popalbum ist, hat mit seiner entschlossenen Selbständigkeit und seiner Einzigartigkeit über die Jahre noch an Zauber gewonnen. --Lorry Fleming

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Die Erwartungen an die vierte Platte von Sinéad O'Connor waren gar nicht mehr so irre hoch. Ihrem erfolgreichen zweiten Album I Do Not Want What I Haven't Got hatte sie schließlich mit Am I Not Your Girl schon einen klassischen Ladenhüter nachgeschickt. Und als Universal Mother dann auf den Markt kam, passierte... wenig. Ein ziemliches musikalisches Nicht-Ereignis.

Falls Sinéad O'Connor die gleichgültigen Kritiken gelesen haben sollte, hatte sie wahrscheinlich ziemlich daran zu knabbern: Denn seit ihrem Debütalbum hatte sie sich der (Musik-)Welt nie mehr weiter geöffnet als bei Universal Mother. Das Album ist entsprechend ruhig geraten und lebt sehr von der Intimität der Künstlerin, sparsame Instrumentierungen (Cello, Piano, Streicher) tun ein Übriges. Einige Stücke sind dann auch nichts als wunderschön: "All Apologies", der a-capella Folk-Song "In This Heart", "Scorn Not His Simplicity" gehen ans Herz, und bei "Famine" gibt sie (und das ist nicht ohne!) nochmal die politische Wilde. Bei alldem: Sie greift ein wenig zu tief in die Seelenkiste. Die Platte ist in weiten Teilen weniger ein Werk für Publikum als vielmehr für O'Connor selbst, und beim Hören kommt man sich mehr als persönlicher Psychotherapeut denn als Musikfan vor. Aber naja, wer das sein mag... --Michael Ebert

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Auf ihrem ersten Studiowerk seit dem 2000 erschienenen Faith and Courage beschäftigt sich Sinéad O'Connor intensiv mit dem Volksgut ihrer irischen Heimat. Für das Album wurden 13 traditionelle Lieder zusammengestellt und neu aufpoliert. O'Connor, die auch als Koproduzentin in Erscheinung tritt, wird von irischen und englischen Musikergrößen wie Donal Lunny (Gitarre, Bouzouki, Tasteninstrumente, Bodhran, Bass-Bodhran) und dem Sänger Christy Moore begleitet und singt einfach ergreifend. Die althergebrachten Lieder werden durch pulsierende Rhythmen und neue Sounds belebt; die moderne Aufbereitung tut der Direktheit und Kraft des Materials aber keinen Abbruch -- manchmal könnte man meinen, es wäre eine lange verschollene Aufnahme aus einem uralten Gewölbe ans Tageslicht gebracht worden.

Ob die Lieder unerwiderte Liebe beklagen ("Peggy Gordon") oder das Schicksal eines Soldaten, der vor dem Krieg in Irland nach Amerika floh und dort unter Abraham Lincoln in den Bürgerkrieg geschickt wurde ("Paddy's Lament") -- O'Connors Gesang ist immer gefühlvoll und klingt vollkommen gereift; manchmal steigert sich ihre flüsterleise Stimme bis zu einem Aufschrei. Durch und durch melancholisch und beinahe unglaublich schön. --Alanna Nash

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Die Sängerin aus Irland ist immer wieder für eine Überraschung gut. Lag bei ihrem letzten, 2005 veröffentlichten Album, Throw Down Your Arms, der Schwerpunkt auf ungewohnten Root-Reggae-Klängen, so kehrt sie mit Theology wieder in eher bekannte musikalische Gefilde zurück, wobei die zwei Platten jeweils eine andere Seite von Shinéad O'Connor zeigen. Bei den "Dublin Sessions", so der Untertitel der ersten CD verzichtet sie ganz auf schmückendes Beiwerk und zeigt sich in den elf Songs so verletzlich wie lange nicht mehr, egal ob es sich dabei um Eigenkompositionen wie den wunderbaren Opener "Something Beautiful" oder einfühlsame Coverversionen wie Curtis Mayfield zeitloses "We People Who Are Darker Than Blue" handelt. Die Religion spielte in ihrem Leben schon immer eine wichtige Rolle und so ist es auch kein Wunder, das auf Theology Themen wie Liebe, Spiritualität und Versöhnung im Mittelpunkt stehen und sie diverse Psalmen vertont hat. Doch wer ihr plumpes Sendungsbewusstsein unterstellen will, der ist komplett schiff gewickelt. Sinéad O'Connor will niemand bekehren oder gar mit einer Predigt bekehren. Der Ansatz, den sie mit dieser äußerst gelungenen Songkollektion verfolgt, ist ein ganz anderer. Ihr geht es um pure Schönheit, die sich in Songs wie "If You Had A Vineyard" oder "Watcher Of Men" eindrucksvoll wiederspiegelt, ohne dabei jemals süßlich oder aufgesetzt zu klingen. Bis auf einen Track, das Traditional "Hosanna Filio David", das auf der zweiten CD, den London Sessions, durch eine Coverversion von Tim Rices und Andrew Lloyd Webbers "I Don't Know How To Love Him" ersetzt wurde, präsentiert sie auf der zweiten Platte exakt die gleichen Songs, eingespielt unter der Regie von Ron Tom. Hier verzichtet sie auf die zurückhaltende Instrumentierung, die den ersten Teil prägte, zugunsten eines weitaus üppiger entwickelten Klangbilds. Als Gast war zudem Bassist Robbie Shakesspeare an den Aufnahmen beteiligt. Welche Version man persönlich auch immer favorisiert, Sinéad O'Connor überzeugt mit beiden auf der ganzen Linie.

--Norbert Schiegl

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Um es mit den Worten ihres Landsmanns, des irischen Dichters William Butler Yeats, zu sagen: Als Sinead O'Connors Debütalbum, The Lion And The Cobra erschien, "wurde eine schreckliche Schönheit geboren". Sinead O'Connor hat eine eindringliche Stimme, so dunkel wie die Moore Irlands, und ihr unerschütterlicher Vortrag entfacht viele kleine Flammen, während er das Blut in den Adern gefrieren läßt. Sie singt in zwei Stimmlagen: Ihr Sopran ("Never Get Old", "Jackie") ist fast schon wie Mönchsgesang, kantig und hauchig wie eine Pan- oder eine Blockflöte; ihr Alt aber, den wir bei "I Want Your (Hands on Me)" und "Mandinka" finden, ist ein gehaltener, kraftvoller Sprechton, der nie wirklich schreit. Durch den Wechsel zwischen diesen beiden Arten zu singen zieht sie den Zuhörer in ihren Bann.
Sie war erst 20, als diese Platte aufgenommen wurde, und ihre Schwierigkeiten mit Liebhabern, ihrer Mutterschaft, ihren Eltern und der katholischen Kirche waren traumatisch und lagen noch nicht lange zurück. Statt aber mit zunehmendem Alter umgänglicher zu werden, erlangte sie mit von der Öffentlichkeit unverstandenen politischen Mätzchen traurige Berühmtheit. Was die bemerkenswerte zweite Platte I Do Not Want What I Haven't Got oft überschattete. --Beth Bessemer