Pop-CD

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Sofia Gubaidulinas Schaffen stand lange im Schatten einer Politik und einer allmächtigen Partei, die rücksichtslos alles daran setzte, die sozialistische Idee durchzusetzen. Ihr zuwider zu handeln hieß zumindest, seine Existenz zu gefährden; ihren Maßregelungen gerecht zu werden, konnte für den einzelnen Künstler bedeuten, gegen das eigene kulturelle oder künstlerische Gewissen handeln zu müssen -- eine der schmerzlichsten Erfahrungen, die ein Mensch machen kann. Ein ungebärdiges Talent wie Sofia Gubaidulina, die 1931 in Tschistopol an der Kama (in der tatarischen autonomen Republik) geboren wurde, konnte sich dem nicht fügen. Bereits 1962 wurde sie hier ob ihres eigenwilligen Kompositionsstils in Grund und Boden kritisiert, doch der Vorsitzende der Prüfungskomission -- Dimitri Schostakowitsch selbst -- sprach ihr Mut zu und wünschte ihr, sie möge "auf ihrem falschen Weg weiterkomponieren". Heute spricht Sofia Gubaidulina Schostakowitsch denn auch den größten Einfluss auf ihre Arbeit zu, weniger in musikalischer Hinsicht als in psychologischer, da er sie gelehrt habe, "sie selbst zu sein".

Sie hielt sich an den Rat des Meisters und lebte seit 1963 als freischaffende Komponistin in Moskau; ihren Lebensunterhalt bestritt sie in der Hauptsache durch Filmmusiken. Mitte der 60er-Jahre wurde man im Westen auf ihr Werk aufmerksam, nicht zuletzt dank dem tatkräftigen Einsatz des Geigers Gidon Kremer. Anlässlich der Uraufführung ihrer Symphonie Stimmen auf den Berliner Festwochen 1986 durfte die bereits international vielfach ausgezeichnete Komponistin erstmals in den Westen ausreisen. Seit 1992 lebt sie in einem kleinen Ort bei Hamburg.

Gubaidulinas Kompositionen deuten oftmals im Titel ein poetisches oder religiös gedachtes Programm an, so auch im Fall des Offertorium von 1980, das sie einerseits nach einem Messeteil, dem Opfergesang (Offertorium) nannte, andererseits aber auch mit "Violinkonzert" bezeichnete. Als Basis diente ihr das Thema Regium aus Bachs "Musikalisches Opfer", das sie im Verlauf der Komposition quasi "desintegriert", um es dann aufs Neue zusammensetzen zu können. Dennoch bietet das Werk dem Solisten Höhepunkte, die einer elektrischen Entladung gleichen; der Virtuose Kremer ist hier sehr gefordert und besteht die Prüfung mit Bravour. Dazu gesellt sich -- nicht minder brillant -- das Orchester. Vehement gibt sich Gubaidulinas Hommage à T.S. Eliot von 1987 für Oktett und Sopran; eine Meditation über Schuld und Erlösung, Licht und Dunkel. Lediglich drei der sieben Sätze (III, V, VII) folgen Eliots Versen; für Gubaidulinas poetisch musikalische Inspiration wurden sie geradezu zündend.

Feinsinnig, ganz im Sinne der Komponistin agieren die Interpreten, lassen es aber gleichzeitig nicht an der nötigen Emphase fehlen. Dies ist mehr als ein Plädoyer für eine meiner Meinung nach immer noch zu wenig beachtete Komponistin. Im Gegensatz zu anderen zeitgenössischen Komponisten wird man von ihrer Musik auch nach ihrem Ableben sprechen. --Teresa Pieschacón Raphael

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Zurück in die Zukunft: Der Monumentalschinken, der Sandalenfilm, kurz das Heldenepos feiert zu Beginn des neuen Jahrtausends in zeitgemäßer, trickreicher Form seine glorreiche Wiederauferstehung! Regisseur Ridley Scott ist es zu verdanken, dass seit dem legendären Spartacus (1960) erneut Streitwagen über die Leinwand donnern, mit flammenden Schwertern gekämpft wird und charakterstarke Muskel-Männer im Kolosseum wieder Auge um Auge anderen Gladiatoren oder wilden Tieren gegenüberstehen. Die Geschichte um Mut und Rache, in der all das exzessiv zelebriert wird, lässt sich in wenigen Worten schildern: Römischer General (Russell Crowe/The Insider) wird erst zum Sklaven und dann zum Gladiator, der ein Imperium herausfordert.

Passend zu der optisch opulent inszenierten Bilderflut im imposanten Cinemascope-Format samt seiner vielen Schlachtszenen, erklingt auch die Musik primär in Pomp und Gloria. Hans Zimmer schrieb für das Lyndhurst Orchestra eine Reihe von majestätischen Kompositionen (inklusive diverser elektronischer Sound-Effekte), bei denen diese (vor allem in den Fanfaren mit Pauken und Trompeten) ihren ganzen Klangkörper voll entfalten können. Konträr zu den Songs des deutschen Oscar-/Grammy-Gewinners (Der König der Löwen), sprich für die melancholischen Momente des 100-Millionen-Dollar-Actionspektakels, ist Lisa Gerrard zuständig. Die Mitbegründerin und Sängerin von Dead Can Dance frönte schon bei dem australischen Duo ihrer Liebe zu besonders ausgefeilten ätherischen Sounds. Diesem Faible fürs Sphärische bleibt sie auch diesmal treu.

Aufgrund seines Facettenreichtums ist die Score-CD, die 62 Minuten Musik des 145-minütigen Brot-und-Spiele-Spektakels enthält, ein vielseitiger Hörgenuss. Und dass Gerrard mit Zimmer auch gut gemeinsame Sache machen kann, zeigt sich im letzten Lied: Das stilistisch an Adiemus gleichnamigen Hit von 1995 erinnernde "Now We Are Free" besitzt zweifelsohne Chartpotential! --Thomas Hammerl

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135 Millionen Dollar Produktionsbudget. 120 Millionen Dollar für Werbung und Medienarbeit. Der Kosten-Superlativ des bis zum Juni 2001 "teuersten Spielfilms aller Zeiten" bewahrte die cineastische Aufbereitung eines geschichtsträchtigen Ereignisses nicht vor den fast durchwegs gnadenlosen Verrissen amerikanischer Kritiker.

So beurteilte The New York Post die vor dem Hintergrund des plötzlichen Überfalls japanischer Sturzkampfbomber auf einen US-Marinestützpunkt am Morgen des 7. Dezember 1941 angesiedelte Love Story zwischen einer Militärkrankenschwester (Kate Beckinsale/Much Ado About Nothing) und zwei befreundeten Piloten (Ben Affleck/Armageddon sowie Josh Hartnett/Halloween: H20) als "drittklassigen Schmalz, welcher der Historie nicht gerecht wird". Der Rolling Stone meinte über das, laut Chicago Tribune, "klischeehafte, aufgeblasene, sentimentale" Drei-Stunden-Epos: "Vom postkartengetreuen Sonnenaufgang am Anfang bis zu Faith Hills Liebeslied "There You'll Be" beim Abspann ist das Ganze ein Schwindel der untersten Schublade".

Nicht viel besser erging es ebenfalls dem Score aus Hans Zimmers Feder. "Banal" hieß es in der NBC Today Show, während CNN ihn als "schwach sowie langweilig" empfand, und diese gebündelte Negativ-Resonanz ließ bei Regisseur Michael Bay beziehungsweise Produzent Jerry Bruckheimer (beide Armageddon) alles andere als die erhoffte Bombenstimmung aufkommen.

Bereits im Vorfeld hatte Zimmer (Gladiator) seine Schwierigkeiten offenbart, unter dem enormen Zeitdruck -- die Musik musste parallel zur endgültigen Schnittfassung entstehen -- ein Thema für das pathetische Spektakel zu finden. Schlussendlich gelang dem gebürtigen Frankfurter ein schönes, romantisches Instrumental, doch das war es dann auch; für einen vernünftigen Rest reichte es allerdings nicht mehr.

Wer sich die knapp 43 Minuten kurze CD anhört, wird ohne die Filmbilder nicht den Eindruck vermittelt bekommen, dass etwas Dramatisches in Form von Schock, Ärger oder Trauer passiert. Buchstäblich zu keinem Moment erklingt die zu dem Anlass passende patriotische oder kriegsähnliche Musik in Form eines percussiven, mit Bläserschüben gewürzten bombastisch-impulsiven Opus beziehungsweise solche, wie sie für 1941 typisch gewesen ist. Stattdessen spielt ein kleines Orchester Getragenes, oder es ertönt ein mit Hilfe vieler Keyboards realisierter New-Age-Electronic-Sound im Stil von Vangelis. Das ist nicht schlecht, sondern für diesen Zweck nur die falsche (Hintergrund-)Musik! --Thomas Hammerl

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Nach dem Erfolg von Gladiator war es keine Überraschung, dass der Regisseur Ridley Scott sich wegen der Filmmusik zu Black Hawk Down wieder an Hans Zimmer wandte. Es handelt sich bei diesem Film um eine drastische Verfilmung von Mark Bowdens Bericht über die tragische amerikanische Militär-Intervention in Somalia im Jahre 1993. Noch erstaunlicher war der Zeitplan, den Scott dem deutschstämmigen Komponisten auferlegte: Zwei Wochen, um die fast zwei Stunden Musik dieses Films zu schreiben, sie zu arrangieren und aufzunehmen. Die Ergebnisse von Zimmers wundersamer zweiwöchiger musikalischer Kampagne haben diese Zwänge nicht nur bewältigt; die in dieser Zeit geschaffene Musik kann auf Anhieb ihren Platz neben The Thin Red Line als eine der faszinierendsten Musikwerke, die er je geschaffen hat, beanspruchen.

Das Konzept ist einfach -- die kämpfenden Parteien werden als zwei sich bekämpfende Stämme porträtiert und mit ihrer jeweiligen für sie typischen Musik in einen unerbittlichen Tanz um die Herrschaft eingespannt. Dennoch ist die hieraus resultierende Musik in ihrer Konstruktion komplexer und künstlerisch anspruchsvoll. Dröhnende Gitarren, Speed Metal, HipHop und kriegerische Rhythmen folgen aufeinander, verschmelzen mit der zeitlosen Musik der Eingeborenen von Nordafrika und werden zu etwas völlig Neuem. Der senegalesische Sänger Baaba Maal leistet hierzu einen großartigen Beitrag, genau so wie der algerische Worldbeat-Künstler Rachid Tara und das Duett von Denez Prigent und Zimmers Mitarbeiterin bei Gladiator, Lisa Gerrard (Dead Can Dance). Joe Strummer & The Mescaleros' gefühlvolle Wiedergabe von Thomas Mores "Minstrel Boy" hebt die Kameradschaft der Militärs hervor. Der eigentliche Star ist und bleibt jedoch Hans Zimmer, der sich wieder einmal auf die Suche nach "Musik, die er noch nie gehört hat" machte und so ein weiteres niveauvolles Terrain eroberte. --Jerry McCulley

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